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Cobertura del Americana. Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona 2017 (1ª parte)

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Un año más, el cuarto ya, nos acercamos al Americana, Festival de cinema independent Nord-Americà de Barcelona, dirigido por dos colegas, Xavi Lezcano y Josep Machado y donde forman parte del equipo dos amigos, David Amorós y Sandra Mantas. Nostros, como no puede ser de otra manera, nos acercamos una vez más para disfrutar del mejor cine Indie y de la cuidada selección de sus programadores. Sin más, vamos al grano con lo que más os interesa, el repaso a lo visto, que por su extensión (11 películas) irá en dos partes.

DONALD CRIED de Kris Avedisian


La inauguración de un festival, soy de la opinión, que siempre tiene que ser una película accesible a todo tipo de público. Jugársela con una propuesta muy autoral puede ser contraproducente ya que la inauguración no deja de ser, para muchos espectadores, la carta de presentación para saber si quieren bucear en el resto de programación de dicho festival. En este caso particular del Americana Film Fest creo que la elección ha sido muy acertada, ya que Donald Cried, la opera prima de Kristopher Avedisian, cumple este requisito. Comedia de choque, ya sea de personalidades, de modo de vida o de sensibilidad para ver y enfrentarse a la vida. Dos personajes opuestos, que en su momento fueron amigos inseparables, pero que la vida ha hecho avanzar de maneras distintas. Uno de ellos, Peter, es un hombre de éxito que trabaja en Wall Street y vuelve a su pueblo natal después de 15 años. Por otro lado tenemos a Donald (interpretado por el mismo director), que sigue viviendo en su hogar de siempre, ese pueblo trabajador lejos de las grandes y monumentales urbes. El reencuentro provoca todo tipo de situaciones divertidas y absurdas, aunque también deja un poso de cómo la vida nos cambia sin darnos cuenta. Peter ha madurado, ahora es un trabajador respetado, aunque su vida personal no está al mismo nivel. Donald da la sensación de no haber evolucionado, sigue estancado en su juventud, en su misma casa, su misma habitación y sus mismos hobbies. Esto provoca más de un conflicto entre ellos, sobre todo por la capacidad de Donald de no callar nada de lo que piensa, de no tener ningún tipo de filtro. Todo esto nos lleva a una sucesión de situaciones tan divertidas como esperpénticas, donde poco a poco cada vez las diferencias entre los dos amigos son menores y donde no sabes quien a ido a mejor, el que en teoría ha madurado o el que ha seguido fiel a su personalidad.

GOAT de Andrew Neel


El mundo/universo de las fraternidades americanas siempre ha despertado mucha curiosidad entre el público, sobre todo en el no estadounidense, ya que es un territorio alejado al nuestro, que aunque podamos tener estos grupos en nuestras universidades, son mundos completamente diferentes. El director Andrew Neel nos introduce en una espiral de violencia, humillación y sin sentido que se vive en las iniciaciones de dichas hermandades. Para ello no escatima en mostrarnos de forma cruel y despiadada como funciona dicha selección, consiguiendo en el espectador esa sensación de incomodidad permanente. Cuando uno ve desde afuera estas situaciones, le cuesta entender como pueden pasar dichas cosas y como algunas personas, para poder ser aceptadas en esas hermandades, donde en teoría, serán protegidos y apoyados por todos sus miembros, son capaces de dejarse humillar hasta tal punto. Y digo en teoría, porque como bien se muestra en la película, el “amor” de todos sus miembros por sus compañeros, es algo solo aplicable mientras el borrego siga al resto del rebaño sin preguntar como o porque, si eres capaz de poner en duda algo de su centenario cumplimiento pasas a ser el enemigo. Vamos, un amor muy voluble e interesado. En esto que nos muestra es en lo que acierta Neel, ya no tanto en su recreación en esa humillación, si no en esa doble moral que tienen las hermandades. Tampoco puedo, ni debo, olvidarme de las grandes interpretaciones de su reparto principal, Ben Schnetzer y Nick Jonas, ni tampoco de la aparición estelar de James Franco, que a pesar de formar parte del star system americano sigue apoyando a este cine independiente.

THE 4TH de Andre Hyland


Andre Hyland nos presenta en su primera película, una obra de esas tan jugosas que nos gusta disfrutar en muchos momentos, una obra pequeñita, sin casi medios pero que tira de talento e ingenio. The 4th intenta mostrarnos como puede ser de complicado uno de esos días en los que parece que te has levantado con el pie izquierdo, donde si algo puede ir a peor lo hará. En este contexto nos encontramos con situaciones divertidas (si no te toca sufrirlas) y personajes de lo más estrafalarios. Eso si, todo llevado demasiado al extremo, convirtiendo las situaciones muchas veces en demasiado increíbles. Aún así, esa ligereza de la propuesta y algunos momento de lo más desternillantes convierten la propuesta de Hyland en un producto fresco, ligero y de desconexión externa muy necesaria y consigue que disfrutemos con los problemas y las extravagantes situaciones que le toca vivir a Jamie, su protagonista.

LIFE, ANIMATED de Roger Ross Williams


Cuando uno se enfrenta a un documental de las características de Life Animated, suele estar un poco a la expectativa de cómo el director habrá enfocado la historia, ya que cuando se tratan temas sobre enfermedades suele caerse en el intento de manipulación emocional, sin darse cuenta que en estos casos no hace falta, porque los temas en si ya son bastante duros y emocionantes para no tener que remarcarnos las cosas. Y eso es lo bueno que consigue Roger Ross Williams en este documental que ha estado entro los cinco finalistas al mejor documental en la última edición de los Oscar. El director nos muestra como Owen Suskind se tuvo que enfrentar al autismo desde los tres años y la reacción de sus padres y hermano al nuevo mundo que les venia encima. Lo que más me gusta de la película es ver como afrontan ese problema los progenitores de Owen, que a pesar de lo doloroso de la situación, se dan cuenta de que algún día ellos no estarán y hacen todo lo posible para dar libertad al chico de aprender a valerse por si mismo. También me gusta como lo afronta el hermano, que a pesar de su juventud, solo tres años mayor que Owen, ya es consciente de que en pocos años tendrá que hacerse cargo de su hermano y como, a pesar de ver sus dificultades, lo acepta por ese amor incondicional a su consanguíneo. No me olvido de la relación que tuvieron las películas animadas de Walt Disney en la favorable evolución de un Owen niño a la hora de poder abrirse un poco a sus seres más cercanos, regalándonos mi escena favorita del documental, cuando los actores que prestan la voz a dos de los personajes principales de Aladdin, hacen una visita especial al club Disney creado por Owen en su universidad.

WIENER-DOG de Todd Solondz


La nueva obra de Todd Solondz llega al Americana como uno de sus platos fuertes, quizás no tanto por la propuesta en si, como por el nombre de su director, uno de los más respetados e influyentes del cine indie americano. Reconozco no ser muy fan de Solondz, ya que tanto su obra cumbre Happiness, como su anterior película Dark Horse, me parecen muy sobrevalorada la primera y aburrida la segunda. Así que me siento en la sala con un poco de reticencia pero con la mente lo más abierta y limpia posible. En este caso me encuentro con una sucesión de divertidos gags, es verdad que algunos más que otros, pero divertidos en general, donde consigue hacernos reír y disfrutar con su visionado. Pero es verdad que si la analizamos más fríamente se queda en unos cuantos chistes puestos uno detrás de otro con el nexo de unión que es el perro salchicha que da nombre a la película, siendo esta su única fuerza ya que su estructura narrativa es casi nula. Solondz hace un “La hora de José Mota” a la americana, resultando atractiva en algunos momentos, pero vacua y repetitiva en su conjunto. Como en el caso de Donald Cried, su mejor baza vuelve a ser esa falta de filtro que tienen algunos de sus personajes a la hora de relacionarse con los demás.

CHRISTINE de Antonio Campos


La nueva película del reputado director Antonio Campos, al menos en el mundo del cine independiente, es una convencional propuesta donde vemos las motivaciones que llevan a Christine, una enorme Rebecca Hall en el que es sin duda el mejor papel de su carrera, a un desenlace de lo más impactante. Cuando digo convencional no lo digo de manera despectiva, ya que tener una narrativa convencional no tiene que ser sinónimo de algo malo, lo digo por su estructura y su enfoque general. Quizás el hecho de llegar al festival como una de las mejores películas y más reconocidas el hype era demasiado alto y aunque debo decir que me parece una propuesta honesta, potente en algunos momentos y con uno de esos finales que te dejan pegado a la silla, debo reconocer que por momentos me he aburrido y se me ha hecho larga un algunos ratos. Quizás media hora de metraje menos le habría hecho un favor o quizás no reincidir tanto en sus motivaciones profesionales en todo el acto central, ya que ralentiza una trama que se beneficia de esa tensión sostenida que va in crescendo y que notas que no tardará mucho en estallar. Aún así, y aunque pueda parecer lo contrario por mis apreciaciones, me parece una buena película y una portentosa interpretación de Rebecca Hall.



Cobertura del Americana. Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona 2017 (2ª parte)

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Finalizamos la cobertura del recién finalizado Americana Film Fest con la crónica de las últimas 5 películas vistas. Sin más, arrancamos:

KICKS de Justin Tipping


Este es el tipo de película que cuando leo la sinopsis ya se que tiene muchas opciones de que me guste. Estas historias mínimas, cotidianas, casi anecdóticas pero que consiguen, ya sea por el entorno en el que se sitúan, por sus personajes o por la pericia del director, engancharme y ganarse mis simpatías. La historia de Brandon intentando recuperar sus zapatillas Air Jordan originales, las de sus dos mejores (y únicos) amigos con su lucha interna de si deben ayudar o no a su amigo en el gran lío que se ha metido o de el Flaco, un peligroso delincuente con una historia detrás mucho más humana de lo que pensamos y que en la mayoría de este tipo de películas no se molestan en mostrarnos, pero que ni así consigue que acabemos simpatizando con él ni sus motivos para quitarle sus zapatillas a nuestro protagonista. Apoyada en una banda sonora donde predomina la música rap (para mi regozijo) y en una estética que le da un aura a realismo mágico muy acertada, esta refrescante opera prima de Justin Tipping se sitúa como una de mis propuestas favoritas del festival.

CERTAIN WOMEN de Kelly Reichardt


Hasta el momento solo había visto dos películas dirigidas por Kelly Reichardt, Meek’s Cutoff, un western que me aburrió sobremanera y Night Moves, que pese a su irregularidad me resulto interesante. Reconozco que me enfrentaba a su visionado con recelo y bastante prejuicio, influenciado también por comentarios de algunos amigos que no me la recomendaban. Por eso, la sorpresa ha sido mayúscula al finalizar la película y darme cuenta que me había gustado, a pesar de que era de lo más negativo antes de comenzar. El film se divide en tres historias, la primera protagonizada por Laura Dern y Jared Harris, la segunda con Michelle Williams y Jame Le Gros y la tercera, donde llevan el protagonismo Kristen Stewart y Lily Gladstone. De las tres me quedo con la primera y la tercera, muy superiores a la flojita segunda historia. Como pasa siempre, el hecho de dividir una película en varias historias la hace irregular, ya que todas no son igual de potentes, pero gracias a las citadas dos tramas, la primera por ser la más ligera y con atisbos de comedia, y la tercera por ser la historia más potente y más sensitiva, dejan un poso más que gratificante.

JAMES WHITE de Josh Mond


Seguimos con otra opera prima, en este caso de Josh Mond. Y la verdad es que no comienza su carrera con una historia sencilla y ligera, comienza con una película de lo más incomoda y radical, quizás demasiado para mi gusto ya que por momentos se recrea en el sufrimiento de una enferma terminal de cáncer y en su hijo, un inmaduro joven que aún no sabe como enfrentarse a la vida. No quiero quitarle meritos a Mond ya que si la analizamos fríamente la película esta hecha con talento y siempre tiene claro que es lo que quiere contar, pero también hay que entender que cuando se cuenta una historia tan sensible y personal, nos pueden más las sensaciones que lo formal y en este caso es donde me cuesta simpatizar con la historia ya que quizás metiéndome en la trama, cuesta aceptar que quizás en un día no muy lejano podamos estar en una situación muy parecida, y la verdad, a veces no tenemos ganas de verlo, preferimos no enfrentarnos a ello. Y como digo, todo lo comentado hasta ahora demuestra que nos encontramos ante una buena película y muy bien echa ya que sin ninguna duda consigue lo que busca, pero como digo, con algunas propuestas hay que aceptar que nos dejaremos llevar por las sensaciones y esas son de, no me apetecía ver algo así ahora.

JOSHY de Jeff Baena


Reconozco estar bastante cansado de estas películas que basan casi todo su metraje en personajes de clase media/alta que se juntan, se drogan y emborrachan, y montan fiestas desfasadísimas. Gracias Jeff Baena pero esto ya me lo han contado demasiadas veces. Es verdad que tras esta primera hora que me aburre sobremanera, por el recurso que comento y por unos personajes de lo más estereotipados, hay un pequeño giro que le da un poco más de fuerza a la propuesta, y no hablo de un giro de guión sorpresivo, si no que de golpe los personajes y la situaciones empiezan a tener mucha más fuerza y profundidad de la que había tenido hasta ahora. De golpe las historias personales de los personajes empiezan a interesarme mucho más, tiene momentos divertidos de verdad y no ese American Pie para modernos, de golpe parece que el guionista a empezado a escribir y no a copiar a otras películas. Pero por desgracia ya llevamos demasiado tiempo de vacío y aunque consigue salvar al barco del hundimiento, se queda lejos de ser algo mejor que pasable.

ANOTHER EVIL de Carson D. Mell


Si Joshy ha sido mi peli más fallida del festival, Another Evil ha sido mi favorita. Me ha enganchado desde el principio por esa mezcla de terror y comedia, por un duo protagonista con mucha química y por unos giros en la trama inesperados y que funcionan de maravilla. Su toques de terror consiguen inquietar con muy poco y la comedia nos hace tener una sonrisa permanente en la cara. La dirección de Carson D. Mell es muy efectiva, sabiendo dosificar entre los dos géneros, pero también es atractiva en lo visual, donde, como he dicho, sabe inquietar con muy pocos medios, gracias en parte por el acertado uso tanto de la luz como del sonido y la banda sonora. Sin duda mi favorita del festival.


Y por último dejo mi Top 5, de una edición que debo reconocer que me parece la más redonda de este magnífico festival. Gracias por hacernos llegar películas que de otra manera quizás nunca les hubiéramos dado una oportunidad y que habríamos dejado de disfrutar. Hasta el año que viene!!!!

  1. Another Evil
  2. Goat
  3. Kicks
  4. Life, Animated
  5. Certain Women

Filme boliviano Viejo Calavera gana en el Festival de Cartagena de Indias

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(Foto: EFE)

El filme "Viejo calavera" del director boliviano Kiro Russo, obtuvo la noche del lunes el galardon a mejor película de ficción en el 57 Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (Ficci).

“El viejo calavera” de Russo compitió con filmes como “Adiós entusiasmo”, del director colombiano Vladimir Durán;“Arabia”, de los brasileños Affonso Uchôa y João Dumans; “Ayiti mon amour”, de la haitiana Guetty Felin; “El auge del humano”, del argentino Eduardo Williams; “El Cristo ciego”, del chileno Christopher Murray y “Elon nao acredita na morte”, del brasileño Ricardo Alves Jr. A.

La película boliviana obtuvo el pasado año la Mención Especial del Jurado de la 69 versión del Festival de Cine de Locarno, en Suiza; y el Premio Cooperación Española en la sección Horizontes Latinos, del 64 Festival Internacional de San Sebastián, en España.

La película narra la historia de Elder, un joven sin responsabilidades en la vida cuya única opción es sustituir la labor de su difunto padre en las minas de Huanuni, en el departamento de Oruro. Su descontento ante esta realidad y los riesgos que conlleva la extracción de minerales llevarán al protagonista por caminos sombríos y de mucho dolor.



(Fuente: Telesurtv)

¿Que opinas del cine latinoamericano? Domingo Lopez

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Poco a poco vamos a ir recuperando esas secciones que tanto nos gustaban del blog y hoy lo hacemos con ¿Qué opinas del cine latinoamericano?. Y que mejor manera de hacerlo que con un autentico crack, Domingo Lopez, que entre sus múltiples facetas dentro del mundo cinéfilo ha sido director de la revista Cine Asía o codirector del programa Hollybrut para la cadena Paramount Channel. También es autor o coautor de libros como Wild Wild East, Made in Hong Kong o La marca de Frankenstein, coprogramador del Festival Nits de cinema oriental de Vic y editor en DVD de clásicos bizarros bajo el sello Trash-o-Rama. También le podemos leer en 2000 maniacos o Scifiworld. Vamos, que es una autentico conocedor de todo tipo de cine y una autentica enciclopedia, al que por suerte tengo el placer de conocer personalmente. Hablando de cine con él nunca te aburres y reconozco que todo lo que dice en la siguiente entrevista lo miro con lupa y apunto las recomendaciones.


¿Con qué frecuencia sueles ver cine latinoamericano?

Antes bastante más, soy muy fan del cine mexicano, especialmente el de acción y fantástico, sin despreciar la comedia popular. También he tenido mis épocas de devorar comedia argentina (Olmedo y Porcel, Los Extermineitors, Brigada Explosiva…), pero actualmente casi me limito a los pases de festivales como San Sebastián y estrenos ocasionales.

¿Cuál es la última película latina que has visto en cine?

La Luz en el Cerro, una película peruana dirigida por Ricardo Velarde.

¿Cuál es la primera película latinoamericana que recuerda haber visto?

Seguramente alguna del Santo, de muy muy pequeño, o quizá una de Cantinflas, como casi todo el mundo.

¿De qué país latinoamericano sigues más sus películas?

Siento pasión por el cine mexicano, ya sean las comedias de Capulina o Ramón Valdez (incluyendo sus trabajos con Chespirito), el cine de acción (esas películas con Valentín Trujillo o Jorge Rivero), las películas fantásticas, el cine de luchadores, o las cintas de ficheras a lo Esteso y Pajares. El cine actual, la verdad es que ha perdido ese encanto autóctono que tiene el cine de los 70 o 80 de cualquier país, y suelo ver lo más representativo que se va estrenando.

¿Cuál es su director latinoamericano favorito?

Rene Cardona Jr.

¿Y actor y actriz?

Narciso Ibañez Menta y Sonia Braga

¿Cuál es su película latina favorita?

El Chanfle.

¿Cuál cree que es el nivel actual del cine latino?

Diferente. Nada que ver con la época clásica de las producciones de los estudios. Quizá se pueda encontrar algo con imaginación y riesgo en los productos peruanos para video o en el narcocine mexicano… Naturalmente, siempre se pueden encontrar buenas películas. Me gustan las comedias de Nicolás López, por ejemplo.

¿Cuál de los cines latinos crees que está más reconocido internacionalmente?

A nivel de distribución, creo que el Argentino, al menos en España. 

y por último, Meirelles, Cuarón, Iñárritu, Del Toro, Rodrigo García, Campanella, Salles o Pablo Larraín son directores consagrados internacionalmente, ¿cuáles crees que pueden ser los próximos en dar el salto a un cine mucho mas comercial? 

La verdad es que no lo sé, pero puedo imaginarme a Amat Escalante dirigiendo cine de terror americano al uso, por ejemplo.
 

Estreno: Doña Clara (2016) de Kleber Mendonça Filho

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Hoy se estrena en las salas españolas una de las películas latinas de la temporada, la brasileña Doña Clara (Aquarius) de Kleber Mendonça Filho. Después de pasar con mucho éxito de crítica por el último festival de Cannes, por Valladolid o La Habana, ganar el premio del público y mejor actriz en Mar del Plata, estar nominada a mejor película extranjera en los César o los Independent Spirit y ganar mejor dirección y actriz en los premios Fénix del cine latinoamericano, llega dispuesta a seguir encandilando al público, pudiéndose verse en varias salas del país.

Protagonizada por una sublime Sonia Braga, en el que para muchos es uno de los mejores papeles femeninos del pasado año, donde interpreta a Clara, una ex-crítica musical de Recife de 65 años, que vive retirada en un edificio particular, el Aquarius, construido en la década de 1940 sobre la chic Avenida Boa Viagem, que bordea el océano. Un importante promotor ha comprado todos los apartamentos, pero ella se niega a vender el suyo y emprende una guerra fría contra la empresa que la acosa. La estresante situación le perturba y le lleva a pensar en su vida, en su pasado, en sus seres queridos.

Doña Clara es el tercer largometraje de Kleber Mendonça Filho, el segundo de ficción, tras Sonidos de barrio (O som ao redor) en 2012. Distribuida es España por Avalon y estrenada en 17 salas del estado, entre ellas 4 en Barcelona (Balmes Multicines, Gran Sarrià, Renoir Floridablanca y Yelmo Icaria) y 4 en Madrid (Cinesa Manoteras, Conde Duque Alberto Aguilera, Renoir Plaza España y Renoir Retiro)


Nominados de los Cóndor de Plata 2017

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Ya se han anunciado los nominados a los premios Cóndor de Plata, otorgados por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. La que parte con más opciones es Gilda de Lorena Muñoz con 12 candidaturas, seguida por La larga noche de Francisco Sanctis y La luz incidente, ambas con 10. Quizás lo más sorprendente han sido las solo 5 nominaciones de El ciudadano ilustre, la notable película de Mariano Cohn y Gastón Duprat. La entrega de los 65º premios de la ACCA será en junio en el CCK.

Aquí dejamos toda la lista de nominados:

Mejor Película
-El ciudadano Ilustre
de Mariano Cohn y Gastón Duprat
-Gilda, no me arrepiente de este amor de Lorena Muñoz
-La luz incidente de Ariel Rotter
-La larga noche de Francisco Sanctis de Francisco Márquez y Andrea Testa
-Lulú de Luis Ortega

Mejor Dirección
-Mariano Cohn y Gastón Duprat por El ciudadano ilustre
-Francisco Márquez y Andrea Testa por La larga noche de Francisco Sanctis
-Lorena Muñoz por Gilda, no me arrepiento de este amor
-Luis Ortega por Lulú
-Ariel Rotter por La luz incidente

Mejor Actriz
-Ana Katz por Hijos nuestros
-Marilú Marini por El eslabón podrido
-Natalia Oreiro por Gilda: no me arrepiento de este amor
-Érica Rivas por La luz incidente
-Ailín Salas por Lulú

Mejor Actor
-Rodrigo de la Serna por Camino a la Paz
-Oscar Martínez por El ciudadano ilustre
-Nahuel Pérez Biscayart por Lulú
-Carlos Portaluppi por Hijos nuestros
-Diego Velázquez por La larga noche de Francisco Sanctis

Mejor Actriz de Reparto

-Moria Casán por Primavera
-Luisa Kulliok por Primavera
-Valeria Lois por La larga noche de Francisco Sanctis
-Susana Pampín por La luz incidente
-Laura Paredes por La larga noche de Francisco Sanctis

Mejor Actor de Reparto
-Lautaro Delgado por Gilda: no me arrepiento de este amor
-Javier Drolas por Gilda: no me arrepiento de este amor
-Alan Sabbagh por La última fiesta
-Marcelo Subiotto por La luz incidente
-Manuel Vicente por El ciudadano ilustre

Mejor Guión Original
-Andrés Duprat por El ciudadano ilustre
-Lorena Muñoz y Tamara Viñez por Gilda: no me arrepiento de este amor
-Ariel Rotter por La luz incidente
-Emiliano Torres y Marcelo Chaparro por El invierno
-Javier Zevallos por Fuga de la Patagonia

Mejor Guión Adaptado
-Leonardo Bechini por Operación México sobre la novela Tucho. La "Operación México" o lo irrevocable de la pasión, de Rafael Bielsa
-Gustavo Fontán por El limonero real, adaptación del libro homónimo de Juan José Saer
-Francisco Márquez y Andrea Testa por La larga noche de Francisco Sanctis sobre la novela homónima de Humberto Costantini

Mejor Ópera Prima
-Camino a la Paz, de Francisco Varone
-El invierno, de Emiliano Torres
-Hijos nuestros de Juan Fernández y Nicolás Suárez
-Juana a los 12, de Martín Shanly
-La noche, de Edgardo Castro
-Miss, de Robert Bonomo

Mejor Documental
-Contra Paraguay
, de Federico Sosa
-Favio, crónica de un director, de Alejandro Venturini
-Guido Models, de Julieta Sanz
-Los cuerpos dóciles, de Matías Scarvaci y Diego Gachasín
-Pibe chorro, de Andrea Testa

Mejor Audiovisual para Plataformas Digitales
-Desarme
, de Hernán Fernández
-La educación del rey, de Santiago Estévez
-Nafta Súper, de Nicanor Loretti
-Pequeña Babilonia, de Hernán Moyano
-Tierra de rufianes, de Federico Moreno Breser

Revelación Femenina
-Mercedes Burgos por La niña de tacones amarillos
-Maruja Bustamante por Permitidos
-Lali Espósito por Permitidos
-Denisse Labbate por Paula
-Rosario Shanly por Juana a los 12

Revelación Masculina
-Benjamín Amadeo por La última fiesta
-Valentín Greco por Hijos nuestros
-Roberto L. Makita por Miss
-Lucas Papa por Taekwondo
-Agustín Pardella por Como una novia sin sexo

Mejor Fotografía
-Ramiro Civita por El invierno
-Federico Lastra por La larga noche de Francisco Sanctis
-Guillermo Nieto por La luz incidente
-Daniel Ortega por Gilda: No me arrepiento de este amor
-Diego Poleri por El limonero real

Mejor Montaje
-Alejandro Brodersohn por El invierno y Gilda: no me arrepiento de este amor
-Martín Blousson, Daniel de la Vega y Hernán Moyano por Ataúd blanco
-Francisco D’Eufemia por Fuga de la Patagonia
-Lorena Moriconi por La larga noche de Francisco Sanctis
-Rosario Suárez por Lulú

Mejor Sonido
-Leandro de Loredo por Gilda: no me arrepiento de este amor
-Santiago Fumagalli, Pierre-Yves Lavoué y Federico Esquerro por El invierno
-Abel Tortorelli por La larga noche de Francisco Sanctis
-Gaspar Scheuer por Operación México
-Natalia Toussaint por Fuga de la Patagonia

Mejor Diseño de Arte
-Marcela Bazzano por Operación México
-Alí Chen por La luz incidente
-Julieta Dolinsky por La larga noche de Francisco Sanctis
-Daniel Gimelberg por Gilda: No me arrepiento de este amor
-Sebastián Rosés por Resurrección

Mejor Diseño de Vestuario
-Violeta Gauvry por Fuga de la Patagonia y Operación México
-Jam Monti por La larga noche de Francisco Sanctis
-Julio Suárez por Gilda: No me arrepiento de este amor y Los inocentes
-Mónica Toschi por La luz incidente
-Laura Vega por Resurrección

Mejor Banda de Sonido Original
-Coiffeur por Como una novia sin sexo
-Emisor por Primavera
-Mariano Loiácono por La luz incidente
-Lucas Martí por Miss
-Daniel Melingo por Lulú

Mejor Maquillaje y Caracterización
-Valeria Bredice por Ataúd blanco y La larga noche de Francisco Sanctis
-Rebeca Martínez por Resurrección
-Emanuel Miño por Primavera
-Alberto Moccia por Gilda: No me arrepiento de este amor

Mejor Película Iberoamericana
-El abrazo de la serpiente
de Ciro Guerra
-Julieta de Pedro Almodóvar
-Magallanes de Salvador del Solar
-Misterios de Lisboa de Raúl Ruíz
-Rara de Pepa San Martín

Mejor Película en Lengua Extranjera
-Carol
de Todd Haynes
-Le nouveau de Rudi Rosemberg
-Los ocho más odiados de Quentin Tarantino
-Por siempre amigos de Ira Sachs
-Sangre de mi sangre de Marco Bellocchio

Amat Escalante protagonizará la retrospectiva del D'A 2017

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Hace unos días, el D’A 2017 dio un adelanto de su programación. En esta nueva edición que tendrá lugar del 27 de abril al 7 de mayo seguro que encontraremos mucho cine latinoamericano, como ya es costumbre. De momento, el los dos primeros avances ha salido a la luz la primera película latina, la argentina Hermia & Helena, dirigida por uno de los directores fetiche del festival, Matías Piñeiro. Fuera del cine latino encontramos grandes nombres como los de Wang Bing, Denis Côté, Bertrand Bonello, Olivier Assayas, Lav Diaz o Ben Wheatley. Por su parte la inauguración será Lady Macbeth de William Oldroyd, mientras que de la clausura se encargará la catalana Estiu 1993 de Carla Simón.


Pero la gran noticia llega de la retrospectiva que cada año hace siempre el festival y que este año está dedicada, ni más ni menos, que al mexicano Amat Escalante, uno de los pesos pesados del cine latino. La retrospectiva, realizada en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, contará con la presencia del director y podremos ver su obra completa, entre ellas su última película, La región salvaje, que llega con el León de Plata cosechado en la última edición de la Bienale de Venecia.

Nos quedamos a la espera de más nombres, pero por el momento la ilusión es máxima y allí esperamos estar nosotros para contarlo.

Claqueta latina: Ukamau (Así es) (1966) de Jorge Sanjinés

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Por Marckwire21


La ópera prima del boliviano Jorge Sanjinés en 1966, 'Ukamau', es un gran thriller atemporal sobre la venganza con aires de puro western. Una lucha de clases mostrada de manera sutil, ágil y absorbente con una factura técnica impecable.

Dirigida y escrita por Jorge Sanjinés, esta producida por el I.C.B. en el año que el mismo presidio dicha institución. La fotografía es de Hugo Roncal en colaboración con el hermano del propio Sanjinés, Genaro, y la banda sonora es obra de Alberto Villalpando que tras contadas participaciones en otras producciones bolivianas dejo su trabajo en 1984 con 'Amargo mar' hasta 2007 con 'Los Andes no creen en Dios' y en 2012 con '¡Volveremos a las montañas!', mas de 20 años fuera del panorama cinéfilo boliviano. Curioso cuanto menos como que un buen director como es Jorge Sanjinés haya visto reducida su producción de films a 1 cada 6 años como mínimo durante toda su carrera, debe darnos una idea de lo difícil de sacar una película adelante en un país como Bolivia. El último trabajo conocido de Sanjinés es un drama histórico estrenado en 2012 titulado 'Insurgentes'.


La acción se situa en Isla del Sol, Lago Titicaca. Andrés Mayta (Vicente Verneros Salinas), es un campesino indio del pueblo aymará que regresa de trabajar y se encuentra con su mujer Sabina (Benedicta Mendoza) violada y asesinada. Conocedor del asesino y en silencio ante el resto de campesinos por los comentarios que pudieran surgir, Andrés planea su venganza sin saber que el destino lo pondrá en el camino del asesino...un asesino al que sus propios demonios lo devoran y llevan al encuentro del campesino indio inexorablemente.

'Ukamau' se ha convertido con el tiempo en un film de culto sobretodo en Sudamérica y mas concretamente en Bolivia, su país de origen. El porqué tiene que ver con su creador, Jorge Sanjinés. Nacido en pleno verano de 1936, con 21 años se trasladó a Chile para inscribirse en un curso de cine dictado. A la edad de 25 años y con algunos cortos a sus espaldas regresó a su país natal para formar el Consejo Nacional de Cultura Para el Cine en 1962 y presidir entre 1965 y 1966, el Instituto Cinematográfico Boliviano, I.C.B. (productor de 'Ukamau'). Desde su regreso a Bolivia y hasta 1966, Sanjinés rodaría una decena de cortos y mediometrajes junto a Oscar Soria con quien tras filmar 'Ukamau' formaría el grupo cinematográfico conocido por el mismo titulo de la película, el grupo Ukamau. Dicho grupo junto a Ricardo Rada y Antonio Eguino fundaría la primera Escuela Fílmica Boliviana y el Cine Club Boliviano que a la postre seria quien llevara a cabo el primer Festival Fílmico Boliviano. Todo un fenómeno que comenzó con la aventura de un solo hombre, Jorge Sanjinés y su viaje a Chile para formarse como cineasta. Un viaje cuyo resultado fue la creación no solo de un festival de cine sino también del aumento del interés de la gente por el séptimo arte en un país tan subdesarrollado como Bolivia. Algo que, desgraciadamente no ha seguido ocurriendo con el paso del tiempo.


'Ukamau' no es solo un film de culto por este motivo sino por como esta rodada, montada y mostrada al publico, la enésima demostración que no hacen falta grandes presupuestos si se tienen grandes ideas. La figura del campesino indio frente al acomodado ciudadano representa la eterna lucha entre los mas oprimidos y los que creen no estarlo, entre el indio y el mestizo. Sanjinés coloca esta lucha de clases en segundo plano de manera sutil, perfecta, dando rienda suelta a que el espectador pueda sentir que no esta viendo algo vacío o sin profundidad. También hay tiempo para lo religioso y lo onírico pues la puesta en escena de muchos tramos de la película evocan a eso precisamente, a no quedarse en lo que vemos, sino en lo que transmiten esos pasajes tan de fabula mágica. Técnicamente es fantástica y tiene una fotografía muy inteligente, llena de grandes planos y escenas que sin palabras transmiten mucho mas que si estas existieran en ellas. Y digo esto porque la calidad de la copia que he podido ver no daba para mucho y en la película se hablan dos idiomas, español y en aymará, el segundo idioma oficial tanto de Bolivia como de Perú muy difícil de seguir. Este complicado idioma estaba subtitulado pero con tan mala suerte que muchas de las escenas ocultaban precisamente los subtítulos y es imposible seguir la acción de lo que ocurre con toda la precisión que uno hubiera podido desear. Aun y con este gran escollo en contra, resulta que Sanjinés expresa genialmente todo lo que desea transmitir al espectador con imágenes y consiguiendo así obviar casi los diálogos por no perderse la gran belleza que el director boliviano muestra en cada una de sus tomas.

Posee un ritmo ágil sobre todo en su arranque y lo único abrupto y fuera de tono es el final tan nervioso que Sanjinés aplicó a este su primer film. Aunque la verdad es que ese final tan mal rodado para nada lastra todo lo visto antes en sus 70 minutos, que ese es otro de sus puntos fuertes, su escasa y breve duración, pues el ritmo ágil de su inicio no se ve en ningún momento dañado por relleno barato, el director sabia lo que quería mostrar y así lo hizo. Destacaría lo satisfactorio que resulta encontrar que de una simple historia de venganza, se pueda ver una historia tan atrapante con una fotografía sublime y una música provocadora de esta manera. La banda sonora donde predomina la flauta del campesino indio me recordó mucho a la harmónica de Bronson en 'Once Upon a Time in the West' y el efecto de esta en los ojos de los malechores como en 'Ukamau' la del asesino. Otra genialidad de Sanjinés o acierto es que aun mostrando al culpable desde el inicio la película no pierde ni un ápice de interés. Thriller atemporal que puede ser visto y disfrutado en cualquier época pues esa eterna lucha de clases, el thriller de venganzas o el western mas italiano siguen siendo géneros muy seguidos en la actualidad y por los que nunca parece pasar el tiempo.

Ecuador Cinema: Mejor no hablar (de ciertas cosas)

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por Daniel Bermeo


De que el cine ecuatoriano ha tomado un fuerte impulso en los últimos años es una realidad que no se puede tapar con un solo dedo. Ya atrás quedaron los años en los que solamente un par de films eran producidos anualmente y uno que otro lograba obtener un éxito moderado. Desde hace unos cinco o seis años la industria cinematográfica ecuatoriana ha recibido un gran empuje y ahora cada vez más se abren puertas, ventanas o caminos para que las diferentes propuestas pueden llegar a tener luz. Esto ha pasado con la reciente película de Javier Andrade "Mejor no hablar (de ciertas cosas)", obra nacida y creada en territorio costero del Ecuador que ha recibido halagos internacionalmente y fue la representante de este país en los premios Oscar del 2014.

La película se centra en la vida de Paco Chávez quien lleva una vida decadente y encantadora en la costa del Ecuador. Esa vida la impulsan las drogas y el romance eterno e ilícito que tiene con Lucía, su novia del colegio, ahora casada con otro hombre. Una noche, Paco y su hermano menor Luis, un músico de punk fuera de control, entran a la casa de sus padres para robarse un caballo de porcelana para empeñarlo y conseguir drogas. Su padre los descubre y se arma una pelea violenta en la que todo el mundo pierde los cabales. Las consecuencias de esa pelea perseguirán a los hermanos para siempre y cambiarán la vida de todos a su alrededor.


Las consecuencias de una noche frenética dirigidas por los impulsos de conseguir placer a base de lo ilegal serán gigantescas para dos hermanos nacidos y criados en el pudor de una familia aristocrática de Ecuador. Andrade en su película nos sumerge a una odisea de emociones intensas, capaces de atrapar con mucho énfasis lo que se cuenta en este crudo relato. "Mejor no hablar de ciertas cosas" es una película dotada de vida y mucha realidad, una realidad que aqueja y se siente hiriente, que palpita sudor y miedo a borbotones, un miedo a lo desconocido, un miedo a la aventura, un miedo a experimentar los sueños, un miedo a las realidades que se crean aunque no se las desee. En la película Paco nos va narrando su vida y cómo ha llegado a un punto culminante en el que todo a su alrededor es una fachada de lo que nunca soñó. Nos cuenta cómo su familia vive de las apariencias mientras él y su hermano se hunden en el vicio, la corrupción y problemas de distinto índole. El film habla de relaciones familiares quebrantadas donde la búsqueda por la imagen y la estética predomina antes que los propios valores. Para ello somos invitados a contemplar el destino de los dos hermanos (el otro se llama Luis) tras la muerte de su progenitor. Paco se hunde en la depresión y pese a obtener algo que siempre quiso (su unión y convivencia con el amor de su vida) se ve pronto atrapado en un mundo en el que reconoce no saber a dónde ir. Paco no tiene nada claro, vive a la deriva. Luis, por su parte, es todo lo contrario. Tiene determinación, tiene sueños, y lucha por cumplirlos aunque las maneras no sean los mejores. Es impulsivo, sí, y muy desarmado. Descontrolado, egoísta, mal hablado y destructor. Son de personalidades opuestas y Andrade trata de hacernos comprender y matizar la importancia de esto.

"Mejor no hablar (de ciertas cosas)" también retrata otros tipos de males de la sociedad contemporánea en el país, donde la corrupción ligada a la delincuencia son casi pan de cada día. Lo notable de este punto es que su director lo envuelve en una interesante capa que logra no palpar la manipulación en ningún momento. También la música cobra vital importancia (aunque a veces pareciera exagerada y estirada en demasía) dotando de músculo a una cinta donde las letras acompañadas de la melodía saben a gloria. La música se transforma en ese consuelo vital a almas ahondadas en el delirio y la melancolía. Andrade opta por diversos ritmos sin centrarse en un mundo especial. Retuerce a la audiencia sumergiéndola en los compases de las guitarras, ya sean tocando punk o algún bolero interesante.


Si de algo hay que culpar a la película es de ciertas irregularidades a la hora de conectar todo; llega un momento en el que existe la sensación de relleno (ya lo advertía arriba) y eso provoca una desconexión a una propuesta interesante. Con ello no indico que la película se vaya a pique, no, pero es un problema evitable. Ciertas obviedades también saltan a la palestra cuando deberían no profundizarse. Sufro un poco (en el no tan buen sentido de la palabra) con ciertas historias que no terminan de llegarme del todo una vez dado el mayor punto de inflexión, y esto quizás ocasionado por la incapacidad de ciertos intérpretes de conseguir que sus personajes trasciendan sobre sus ¿mal dibujados? personajes. Victor Aráuz es la mayor sorpresa del trabajo actoral, su actuación es deslumbrante, y aunque está ayudado porque su personaje es el mejor descrito de todos, consigue lo que se propone.

Luego está el desenlace que da para mucho tipo de polémica, pero pese a ello y lo que se pueda decir o criticar debo decir que me parece interesante el tono del mismo, creo que se percibe cierta sátira al mundillo político y la manera de rodarse es notable. Digo, el film se permite ciertas "licencias" para llegar a este final, se notas ciertas costuras, pero aun con ello, resulta ampliamente confortante.

La fotografía recurre mucho a colores opacos, dándole importancia a la opacidad de la vida de sus personajes, aunque cobra vida en los momentos más enérgicos (conciertos, fiestas). Destacar además un buen trabajo de montaje. Mejor no hablar de ciertas cosas se expresa como una película que desafía lo establecido. Destaca su introspección con cierto tono satírico a la alta sociedad ecuatoriana. Su final, quizás demasiado extraño para algunos, incluso ridículo, refuerza esa sensación. Habría que verla para comprobarlo en definitiva.

Claqueta Latina: Conducta (2014) de Ernesto Daranas

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Por Marckwire21


'Conducta' es una de las cuatro nominadas a mejor película hispanoamericana en los Goya 2015 que se celebrarán este próximo día 7 de febrero en Madrid. La cinta cubana dirigida por el veterano guionista y director Ernesto Daranas, es su segundo trabajo tras 'Los dioses rotos' en 2008. El cine de Daranas muestra o es un reflejo claro de la sociedad cubana mas desfavorecida y los males tan arraigados que la llevan acechando toda la historia: pobreza, falta de educación, prostitución, etc . En 'Conducta' todo lo que vemos o sentimos respecto a sus personajes viene provocado por la figura central de un chico algo problemático llamado Chala (Armando Valdes Freire). Sin saber la identidad de su verdadero padre y con una madre enganchada al alcohol y las drogas, Chala se ocupa de criar palomas y perros para peleas con el fin de llevar un plato de comida a la mesa mientras acude diariamente al colegio. Con 11 años es el hombre de la casa, un hombrecillo que no deja de ser un niño al que todos sus males brotan cuando esta expuesto ante otros de su edad. Una pelea con otro chico coincidirá con un terrible accidente de su eterna profesora, la única persona que Chala obedece a pies juntillas, provocando la llegada de una novata sustituta y el ingreso del difícil Chala en un reformatorio. Tiene una duración de 108 minutos y esta producida por Latino Films y el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC).

En torno a este pilar central que es Chala, hay una variedad de personajes muy bien diseñados que aportan la cantidad justa de información para no caer en el drama fácil, aparte de la madre de Chala, Sonia (Yuliet Cruz), esta la figura que Daranas potencia mas, la de la profesora. Muchos vais a identificar en el carácter de esta profesora el de algún docente que tuvierais en vuestros años de primaria. Carmela (Alina Rodriguez), no es una profesora anticuada, no usa métodos arcaicos ni rudimentarios no, Carmela es una de aquellas profesoras que se volcaban totalmente con los alumnos a los que enseñaba y en especial con los que son como Chala. Su afecto, amor y respeto por estos niños mas allá de unos simples libros y su obcecación con no dejarlos solos les pasara lo que les pasase se palpa en cada frase que suelta en defensa tanto de su protegido como del grupo. También hacen un gran trabajo el grupo de niños alrededor de Chala, tanto sus dos amigos, como los rivales y las niñas donde encontramos a la seria Yeni (Amaly Junco), una chica responsable por la que el joven cubano bebe los vientos. Pero el drama que presenta Daranas aborda mas personajes, el padre de Yeni, antiguo alumno de Carmela y que hace lo posible por darle a su hija todo lo que puede, la profesora sustituta María (Miriel Cejas), que no deja de aprender de la maestra veterana y sus métodos, el resto del claustro del colegio o  Ignacio (Armando Miguel Gómez) 'amigo' de la madre de Chala.


La veterania de Daranas en la construcción de guiones se hace patente en 'Conducta', un film que funciona como drama, como historia de amor juvenil y de superación al mismo tiempo que como critica a una sociedad que debe encontrar en los valores de la dignidad la manera de sobrellevar un día a día nada propicio. Y hubiera sido fácil caer en el drama bajo, en mostrar las miserias de una sociedad, pero sorprendentemente no es así. La película arranca muy floja, casi parece que no pasa nada y realmente, tampoco ocurre nada grave, sino que todas las historias van cobrando importancia cuantos mas minutos se llevan vistos, es mas, tras pasar la barrera del ecuador de la producción todo cobra un interés especial, dan ganas de seguir viendo que ocurre en la vida de Chala y los que le rodean porque se aprecia el cambio, se aprecia que poco a poco todo empieza a dar sus frutos. Daranas deja un mensaje muy positivo y lleno de optimismo en sus minutos finales. Otro de los grandes aciertos es el escenario en que se nos muestran estas historias, una Cuba desaliñada, desteñida pero que mantiene un aire místico e histórico que la hacen bellísima. La fotografía de Alejandro Pérez en una zona tan pobre de La Habana es magnifica y digna de mencionar pues sitúa a todos en un único contexto en el que resaltan los personajes y sus dramas por encima de todo. Cada vez que Chala sube a la azotea a controlar sus animales es una gozada visual. No hay banda sonora sino sonido diegético, es decir, sonido ambiente, lo que se oye, es lo mismo que oyen todos los personajes y esta dirigido por Juan Carlos Herrera que, además de contar ya con 17 trabajos en su carrera participo como asistente prop maker: action vehicles en la reciente 'Exodus: Gods & Kings'.

Ojo, no estamos ante una versión de la colombiana 'La vendedora de rosas', ni de 'El Padrecito' de Cantinflas, ni tan siquiera se acerca a esa relación de la juventud con las drogas, 'Conducta' es una fabula cubana, un drama de buen ritmo que jamás cae en lo pretencioso y que gracias a un sencillo guión y a la magnifica interpretación de sus protagonistas elevan la película a la altura que se merece.

Claqueta Latina: Crónicas (2004) de Sebastián Cordero

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Por Marckwire21


'Cronicas' es un thriller dramático dirigido por el ecuatoriano Sebastián Cordero en 2004 e interpretado por el trio multicultural que forman el colombiano John Leguizamo, el mexicano Damián Alcázar y la española Leonor Watling. Es una coproducción entre Ecuador y México en la que participaron Producciones Anhelo, Cabezahueca, Tequila Gang (Guillermo del Toro) y Esperanto Filmoj (Alfonso Cuarón). La fotografía es del también nacido en Ecuador, Enrique Chediak ('The Maze Runner', '127 Hours', 'RED 2' o '28 Weeks later') y la banda sonora del compositor brasileño Antonio Pinto ('Ciudad de Deus', 'Senna', 'Get the Gringo' o 'Trash').

Manolo Bonilla (Leguizamo), es un reportero de un programa de sucesos dirigido a la población latina de Miami que en su búsqueda de la historia que lo catapulte al estrellato periodístico recala en un pueblo pequeño de Ecuador donde un asesino de niños conocido por 'El monstruo de Babahoyo' tiene aterrorizados a todos los habitantes. Al poco de llegar allí, el equipo del programa presencia un hecho increíblemente violento e imprevisto que termina con la injusta encarcelación de un pobre diablo llamado Vinicio Cepeda (Damian Alcázar). Bonilla junto a su equipo formado por la productora Marisa Iturralde (Leonor Watling) y el reportero/montador Iván Suárez (José María Yazpik) se verán envueltos en la propuesta de Vinicio de revelarles información veraz y de primera mano sobre 'El monstruo de Babahoyo' a cambio de emitir una entrevista sobre su injusta entrada en prisión y el linchamiento publico recibido.

Tras un potente y vigoroso arranque en el que asistimos a un salvaje, violento y auténticamente real linchamiento publico, la película va diluyéndose en una mezcla de géneros sin definir, culpa en parte, de querer desmarcarse de los thrillers típicos de este calado. Lo mejor de todo el film es la interpretación de Damian Alcázar como Vinicio que, curiosamente, es con quien Cordero empieza la película y luego olvida desafortunadamente para el desarrollo de la misma. El poder de la película estaba en las conversaciones entre Vinicio y Bonilla, en el drama de las vejaciones carcelarias y la oportunidad que se le presenta al acusado de salir libre ante un aspirante a héroe como el presentador que cree ciegamente saber quien es en realidad el condenado. Cordero deja a un lado el personaje mas interesante de todo el film en pos de mostrarnos una critica a la cruel realidad de algunos medios informativos que realmente nunca llega a importar ni a mostrar al 100%. Cuando aparece la moral informativa? Al final con la decisión que toman los tres integrantes del programa o al inicio cuando Bonilla interviene en el linchamiento? De cualquiera de las maneras, salvo estos dos momentos puntuales, la critica al éxito periodístico por encima de todo no existe en ningún momento, Cordero, navega desde el final de los primeros 15 minutos hasta el final en una serie de escenas de impecable fotografía, no tanto la música, que nada aportan al mensaje que el director quiere transmitir. Aporta algo lo que sucede entre Bonilla y Marisa? Para nada, ni eso, ni tampoco las canciones que no pertenecen a la banda sonora original, están fuera de lugar. 'Cronicas' quiere ser tantas cosas y desmarcarse tanto del thriller convencional que su mensaje o critica termina por no interesar. Dramas personales mal desarrollados como el de Vinicio, su mujer e hijo o el del supuesto trio amoroso que nada aporta a la trama, un protagonista que no da la talla en ningún momento porque Alcázar se lo come en todos los cara a cara y donde los momentos de tensión escasean salvo los del arranque.


En definitiva, de no ser por Damian Alcázar, la película no tendría nada interesante. Es una lastima, porque creo sinceramente que la historia es buena pero esta muy mal rodada o desarrollada, con unos actores de nombre pero no de calidad y un equipo de semejante potencial contrastado a nivel mundial se podría haber realizado un thriller mucho mas compacto y completo. Por cierto, el presentador del programa desde Miami es Alfred Molina. Thriller regular.

Ixcanul, erupción centroamericana

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por Olvin Otero


El cine guatemalteco ha entrado en una etapa de crecimiento  con un gran  número de producciones cada año, y pasa por un momento muy especial dentro del circuito festivalero, mismos espacios  que  pusieron a  Guatemala   en  el  panorama mundial   con el  film El silencio de  Neto (1994)  de  Luis Argueta que  formó parte  de  la  Selección Oficial  del Festival de Sundance 1995.

Uno de los directores más habituales  -y quien es referencia del cine la región- es Julio Hernández Cordón, ganador de múltiples premios con Gasolina (2008),  Las marimbas del Infierno (2010) y Polvo (2012), esta última nominada al Leopardo de Oro en  el Festival de Locarno 2012. 

El director Jairo Bustamante, un desconocido para muchos, sale del anonimato,  como lo hizo la directora costarricense Laura Astorga que formó parte  de la sección Generation14plus de la Berlinale 2013, con su ópera prima ‘Princesas rojas’.

El cine centroamericano existe.


La edición 65 del Festival Internacional de cine de Berlín se convirtió el 14 de febrero de 2015 en un evento histórico para el cine guatemalteco y centroamericano.

Una ópera prima habitualmente forma parte de la programación en las secciones paralelas, por lo que  el debut de Bustamante rompía paradigmas al quedar entre las 19 cintas que competían por el  Oso  de  Oro. La  primera  cinta  guatemalteca  (y  centroamericana)  en  competir  por  el máximo reconocimiento en un festival clase A. Junto a él -y poniendo la nota latina- los chilenos Pablo Larraín y Patricio Guzmán, en una competición entre veteranos y jóvenes promesas: Andrew Haigh, Malgorzata Szumowska, Terrence Malick, Jafar Panahi o Werner Herzog. 

Los aplausos tras su exhibición y las reseñas de la crítica internacional ya hacían sonar su nombre un día antes de la gala de clausura, las quinielas le apostaban a una ópera prima hablada  en  kaqchikel  como una de  las  fuertes  candidatas  a  los  premios  grandes  de  la edición. La cinta ya había recibido una mención especial por su honestidad y valentía, en la categoría Cine en Construcción del Festival de San Sebastián 2014.

Finalmente Ixcanul se alzó con el Oso de Plata: Premio Alfred Bauer. Un reconocimiento dedicado a las cintas que abren nuevas perspectivas. El premio, en honor a Alfred Bauer -fundador del festival-  se ha entregado desde 1987. Bustamante regresa el reconocimiento a Latinoamérica, anteriormente el mismo ha sido ganado por las cintas argentinas La Ciénaga (2001) de Lucrecia Martel,  El custodio (2006) de Rodrigo Moreno,  y la uruguaya Gigante (2009) de Adrián Biniez. Compartido además con otros grandes cineastas como Andrzej Wajda, Miguel Gomes, Denis Côté, Zhang Yimou o Park Chan-wook.

Escrita y dirigida por el mismo Bustamannte y filmada en las faldas del volcán Pacaya, ‘Ixcanul’ (volcán en lengua kaqchikel) narra la historia de María, joven maya de 17 años y su  apresurado paso  a  la  vida adulta.  Aunque María sueña con ver la  ¨gran ciudad¨,  su condición de mujer indígena no le permite cambiar su destino. Una cinta de denuncia que toma  como  base  un  retazo  de  la  historia  étnica  de  Guatemala,  con  recuerdos  de  un genocidio.


Jairo  Bustamante  con estudios  de  publicidad  en  su  natal  Guatemala,  pero  radicado  en Francia, ha cursado estudios de cine en París y Roma. Con algunos cortos a sus espaldas (Usted - 2009, Au Détour Des Murs, Les Visages D'une Cité – 2010, Cuando sea grande - 2012),  su  interés por  mostrar  relatos de  la  vida en Guatemala ya eran visibles cuando abordaba el tema indígena y las desigualdades en su corto ‘Cuando sea grande’ (2012). El director se encuentra en producción de su nuevo proyecto: El escuadrón de la muerte.

La cinta  ahora mismo forma parte  de  la  Selección Oficial  del  festival  Internacional  de Guadalajara  y  Cartagena  de  Indias.  Lo  siguiente  lograría  ser  un  fenómeno  que  podría funcionar con los Premios de la Academia, cuando los mimos pueden servir de lanzamiento del cine de la región. Históricamente un impulso a las cintas foráneas. Algo parecido  al efecto ‘La Teta Asustada’ de Claudia Llora cuando en 2009 ponía su cine en el panorama mundial, la directora formaba parte del jurado en esta edición de la Berlinale y de quien no se descarta influencia en el premio.

De momento  Nicaragua es el único país centroamericano en lograr la nominación al Oscar con ‘Alsino y El  Cóndor’ (1982) una hermosa y sincera fábula dirigida por el  director chileno  Miguel Littín, exiliado en México debido a la dictadura chilena. ‘Ixcanul’ tiene todas las cartas listas para seguir haciendo historia.

El premio a Ixcanul no solo es histórico, significa un impulso a una industria sin apoyo estatal pero en pleno crecimiento  y con grandes directores, en primera instancia debería abrir las puertas el apoyo a la producción de más proyectos de la región.

Así concluyó una Berlinale con alto compromiso político con su Oso de Oro para 'Taxi', de Jafar  Panahi  (condenado  por  desafiar  al  régimen  iraní),  y  un  triunfo  para  el  cine Latinoamericano, el que cada año tiene su espacio reservado.

Premios al cine latinoamericano


Gran Premio del Jurado para ‘El Club’ de Pablo Larraín (Chile).

Mejor Guion y Premio del Jurado Ecuménico para Patricio Guzmán por su documental ‘El Botón de Nácar’ (Chile).

Premio Alfred Bauer para Ixcanul de Jayro Bustamante (Guatemala).

Mejor Ópera Prima para ‘600 Millas’ de Gabriel Ripstei (México).

Mejor documental (Teddy Award) para ‘El hombre nuevo’ de Aldo Garay (Uruguay-Chile)

Mejor cortometraje (Teddy Award), San Cristóbal de Omar Zúñiga (Chile)

Mejor Largometraje (Teddy Award) para la producción americana ‘Nasty Baby’ dirigida por el chileno Sebastián Silva (La Nana, 2009).

Premio CICAE (Sección Panorama) para ‘Que horas e la Volta’, de Anna Muylaert (Brasil).

Selección latinoamericana del Festival de Málaga 2017

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Los amantes del cine latinoamericano estamos de enhorabuena ya que en la 20 edición del Festival de Málaga que comienza el viernes 17 y se alargará hasta el domingo 26, el certamen abre sus fronteras y a parte de presentar las próximas novedades del cine español, incorpora las películas latinas a su programación, tanto en sección oficial como en secciones paralelas. Esta nueva apertura convierte al Festival de Málaga, no en el del cine español si no en el del cine en español.

Dentro de las decenas de títulos que pasarán por las pantallas del certamen malagueño, nos encontramos con las nuevas películas de gente tan importante dentro del panorama latinoamericano como Daniel Hendler, Víctor Gaviria, Juan Taratuto, Israel Adrián Caetano, Roberto Sneider, Marcos Carnevale o Martín Hodara detrás de las cámaras o Patricio Wood, Ana Katz, César Troncoso, Leonardo Sbaraglia (por partida triple), Daniel Hendler, Natalia Oreiro, Gael García Bernal, Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Federico Luppi, Óscar Martínez o Rodrigo de la Serna delante de ella. Tampoco hay que perderse la multi nominada a los Premios Cóndor del cine Argentino, Gilda, no me arrepiento de este amor o el documental dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, directores de la notable El ciudadano ilustre.

A continuación os dejamos la lista de largometrajes de ficción latinoamericanos que podremos ver en los próximos días. Una auténtica gozada.


LARGOMETRAJES SECCIÓN OFICIAL

Últimos días en La Habana (2017) de Fernando Pérez (Cuba-España)


Reparto:Patricio Wood, Jorge Martínez, Gabriela Ramos
Sinopsis: Miguel sueña con huir a Nueva York. Mientras espera una visa que nunca llega, trabaja como lavaplatos en un restaurante particular. Diego, por su parte, no sueña con huir de Cuba sino simplemente con vivir. Deteriorado por el SIDA, libera toda su energía con humor, pasión, anhelos. Últimos días en La Habana es una historia sencilla sobre la amistad con los prejuicios y la relatividad de los valores como telón de fondo.

El candidato (2016) de Daniel Hendler (Uruguay-Argentina)


Reparto: Matías Singer, Diego de Paula, Ana Katz, César Troncoso
Sinopsis: Martín Machard es un líder carismático, brillante y comprometido. Esa es la idea con la que pretende lanzarse a la contienda política. Sus asesores y creativos, reunidos en la casa de campo de Martín, diseñan su perfil público sin descanso, aunque algunos de ellos han llegado allí para dinamitar las fantasías del candidato.

El otro hermano (2016) de Israel Adrián Caetano (Uruguay-Argentina-España)


Reparto: Leonardo Sbaraglia, Daniel Hendler, Ángela Molina, Pablo Cedrón
Sinopsis: Cetarti, exfuncionario público, viaja desde Buenos Aires a un solitario pueblo en la provincia del Chaco donde debe hacerse cargo de los cadáveres de su madre y su hermano que han sido asesinados. Sin embargo, lo que realmente quiere es cobrar un modesto seguro de vida para mudarse a Brasil. En el pueblo conoce a Duarte, una suerte de "capo" del pueblo con quien establece una extraña sociedad para gestionar y cobrar ese dinero. Sin embargo, en ese lugar sin ley, Cetarti se verá envuelto en los oscuros negocios de Duarte.

Gilda, no me arrepiento de este amor (2016) de Lorena Muñoz (Argentina)


Reparto: Natalia Oreiro, Ángela Torres, Javier Drolas
Sinopsis: Este filme rescata la vida íntima y poco conocida de Miriam Alejandra Bianchi, conocida como "Gilda", que se convirtió en una grande de la canción popular argentina. A través de este retrato de la artista, intérprete de grandes éxitos musicales, que perdió la vida en un accidente automovilístico en 1996, se pone de manifiesto la autenticidad, el carisma y la reivindicación de los derechos de la mujer en sus canciones.

La memoria de mi padre (2016) de Rodrigo Bacigalupe (Chile)


Reparto: Jaime Mc Manus Menuel, Tomás Vidiella, María Izquierdo
Sinopsis: Al morir su madre, Alfonso se ve obligado a hacerse cargo de un padre que no soporta, con el agravante que el viejo está perdiendo la memoria, convirtiéndose en un niño alejado de aquel hombre fuerte que alguna vez fue, y obsesionado con que su mujer sigue viva, perdida en un hospital de la costa. Alfonso se adentrará en la aventura de encontrar a una madre que ya no está entre los vivos, pero que sigue presente en el corazón de su padre.

La mujer del animal (2016) de Víctor Gaviria (Colombia)


Reparto: Natalia Polo, Tito Alexander Gómez, Michelle Madrigal
Sinopsis: Amparo huye por miedo a su padre del internado de monjas donde la acogían. Llega a un barrio marginado de Medellín a vivir con su hermana. Cuando su cuñado la introduce en la familia, el primo Libardo, "El Animal", se enamora de ella y la rapta en un rito matrimonial con la familia como testigo. Forzada a convertirse en la mujer del Animal, Amparo tiene una niña a la que intentará salvar.

Me casé con un boludo (2016) de Juan Taratuto (Argentina)


Reparto: Adrián Suar, Valeria Bertuccelli, Gerardo Romano
Sinopsis: Fabián Brando y Florencia Córmik son actores. Él es el más famoso del país pero ella es una completa desconocida. Se conocen durante el rodaje de una película, dirigida por la pareja de Florencia, e inician un romance que rápidamente termina en boda. Sin embargo, al poco tiempo de casados, Florencia se da cuenta de que se había enamorado del personaje de la ficción interpretado por Fabián, pero que este es un perfecto idiota (es decir, un auténtico boludo).

Me estás matando Susana (2016) de Roberto Sneider (México)


Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho
Sinopsis:Me estás matando Susana cuenta con humor el viaje al centro de los Estados Unidos que Eligio, un chilango ilustrado, se verá obligado a hacer para recuperar a su mujer. En ese viaje no solo tendrá que enfrentar un invierno helado y a la rígida sociedad del vecino del norte, sino también sus propias contradicciones entre el amor que siente por su mujer y su idiosincrasia machista.

Nieve negra (2017) de Martín Hodara (Argentina-España)


Reparto: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Laia Costa, Dolores Fonzi, Federico Luppi
Sinopsis: Salvador vive aislado en su cabaña en la Patagonia. Tras décadas sin verse, su hermano Marcos y su mujer Laura, que está embarazada, vuelven de España para convencerle de vender las tierras que comparten por herencia de su padre. Pronto se produce el enfrentamiento de los dos hermanos y reaparecen oscuros secretos del pasado, ante la asustada mirada de la indefensa Laura.

Redemoinho (2016) de Jose Luiz Villamarim (Brasil)


Reparto: Irandhir Santos, Julio Andradem, Dira Paes
Sinopsis: Luzimar y Gildo, que crecieron juntos en una ciudad pequeña del interior, vuelven a encontrarse después de mucho tiempo. Entre tragos, recuerdos, arrepentimientos y rencores, los dos rememoran el pasado y confrontan el camino que cada uno decidió seguir en la vida. ¿Quién de los dos tomó la decisión correcta: el que se marchó o el que se quedó?


FOCUS MAR DEL PLATA

Fuga de la Patagonia (2016) de Javier Zevallos y Francisco D’Eufemia (Argentina)


Reparto: Pablo Ragoni, Gustavo Rodríguez, Bernardo Morico
Sinopsis: Año 1879. En lo profundo de la Patagonia, el explorador Francisco Moreno, conocido como el Perito Moreno, comanda una expedición cartográfica. Es tomado prisionero y acusado de espionaje por el Consejo Mapuche. Tras ser condenado a muerte, Moreno se da a la fuga y el Cacique Valentín Sayhueque envía a su hijo tras él. Para sobrevivir, Moreno se enfrentará con la naturaleza salvaje. Un territorio sin reglas, convertido en un infierno de violencia por el avance de la denominada Campaña del Desierto.

Inseparables (2016) de Marcos Carnevale (Argentina)


Reparto:Óscar Martínez, Rodrigo de la Serna, Alejandra Flechner, Carla Peterson
Sinopsis: Felipe es un empresario adinerado que ha quedado tetraplégico a causa de un accidente que decide tomar como asistente terapéutico a su jardinero Tito. A pesar de no estar cualificado para el puesto, Tito es la única persona que no lo trata con compasión. Pese a las dificultades, Tito ayuda a Felipe a encontrarle un sentido a la vida. La historia de una amistad tan inesperada como profunda. Remake de la película francesa Intocable.

No te olvides de mí (2015) de Fernanda Ramondo (Argentina)


Reparto: Leonardo Sbaraglia, Cumelen Sanz, Santiago Saranite
Sinopsis: Provincia de Buenos Aires. Años 30. Verano. Mateo, ex convicto anarquista, recorre la llanura pampeana en un viejo furgón cargado de gallinas robadas y la ilusión de reencontrar a su gallo, El Rey, para llevarlo al triunfo en una pelea. Un encuentro casual lo pone frente a Aurelia y Carmelo, dos hermanos en busca de su padre. Sin rumbo fijo que lo ate a un destino cierto, Mateo decide acompañarlos hacia el Sur.

Soldado argentino solo conocido por Dios (2016) de Rodrigo Fernández Engler (Argentina)


Reparto: Mariano Bertolini, Florencia Torrente, Sergio Surraco
Sinopsis:Soldado Argentino solo conocido por Dios es un largometraje de ficción bélico, centrado en el drama humano de tres jóvenes que se ven transformados para siempre por la Guerra de Malvinas. Juan y Ramón son amigos de la infancia hasta que Juan se enamora de Ana, la hermana de Ramón. Mientras Juan se prepara para ingresar al Bellas Artes, Ramón decide hacer la carrera militar. En las Islas Malvinas los mejores amigos se reencontrarán y Ramón salvará la vida de Juan. Sus destinos en la guerra serán casi opuestos. Totalmente inspirada en hechos verídicos, intenta abrir el diálogo sobre las consecuencias de la guerra en nuestra sociedad.


OTRAS SECCIONES

1974 (2016) de Víctor Dryere (México)


Reparto: Diana Bovio, Rolando Breme, Guillermo Callahan
Sinopsis: Una pareja de recién casados, Altair y Manuel, desapareció en 1974. Sus vídeos personales, filmados en 8mm, revelan los sucesos aterradores que vive la pareja, cuando Altair asegura haber encontrado la manera de comunicarse con Dios y construye una puerta negra de ladrillos en su cuarto.

Todo sobre el asado (2016) de Mariano Cohn y Gastón Duprat (Argentina-España)


Reparto: Documental
Sinopsis:Todo sobre el asadoes un viaje a lo profundo de la Argentina. El asado es una comida y un ritual. Es primitivo y contemporáneo, salvaje y refinado, un arte y una ciencia. Pocos fenómenos revelan con mayor originalidad y precisión los rasgos esenciales de la identidad nacional. Por primera vez una película hace frente a esta tradición casi sagrada con una mirada filosa e incorrecta.

Conoce un poco más a...: Marialy Rivas

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Hoy vuelve una de nuestra secciones favoritas, Conoce un poco más a… donde grandes nombres del cine latinoamericano nos contestan un test de 20 preguntas para poder conocerlos mejor y saber de sus gustos y aficiones.

Para este regreso contamos con la directora y guionista chilena Marialy Rivas, una de las nuevas voces más interesante del cine hecho en Chile. Tras unos cuantos cortos, entre ellos Smog (2000) co-dirigido con su compatriota Sebastián Lelio, director de Gloria (2013) una de las películas chilenas con más éxito de los últimos años y Blokes (2010) con el que es seleccionado en la Competencia oficial del Festival de Cannes y gana varios premios como los de la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya, Miami, San Francisco o California. Pero es con su primer largometraje cuando el nombre de Marialy Rivas da un salto hacia delante. Joven y alocada (2012) gana el premio a Mejor guión de drama en el Festival de Sundance y es seleccionada para participar en el Festival de San Sebastián. También en Sundance se lleva el premio Directors and Screenwriters Lab, que le permite grabar su segundo largometraje, Princesita, el cual participa en 2015 en Cine en construcción en el Festival de San Sebastián.

Queremos agradeces a Marialy su amabilidad y colaboración con nosotros y desearle los mayores éxitos para el futuro.


1. ¿Que te motivó a ser directora?

Mis padres me tenían en un colegio Waldorf y no me dejaron ver televisión hasta los 18 años, por tanto iba al cine hasta 3 veces por semana. Creo que fue eso, sumado a unas pelis caseras que hacíamos con vecinos en la betamax del papá de uno de ellos cuando yo tenía unos 8 años. Imitábamos El Padrino e hicimos varias películas seguidas. Todavía tengo algunas.

2.¿De que cual de tus trabajos estas más orgullosa?

No tengo tantos y los amo todos, pero diría que de Joven y Alocada, que es mi primer largo, me lancé a realizarlo con más intuición e instinto que otra cosa y me fascina cómo quedó y la conversación en el país que generó.
3. ¿Qué historia sueñas con dirigir?

Podría ser la desconocida historia de Alice Guy o la vida de Sor Juana Inés de la Cruz, o cualquiera de las historias de las miles de mujeres de todo el planeta que son heroínas y se sobreponen a cosas alrededor del mundo a diario.

4. ¿Con quién ardes en deseos de trabajar?

Me gustaría trabajar en series con productoras y show runners mujeres como Jill Solloway o Ava Du Vernay. 

5. ¿Si no fuera directora de cine habría sido…?

Doctora.

6. ¿Cuál es tu película favorita de todos los tiempos?

Uf tantas! Pero está entre The Sound of Music, Gloria de Cassavetes y Paris, Texas de Wenders.

7. Un director clásico y uno actual

Jean-Luc Godard / Xavier Dolan, Lucrecia Martel.

8. Un actor clásico y uno actual

Marlon Brando / Michael Fassbender.

9. Una actriz clásica y una actual

Greta Garbo / Kristen Stewart, Viola Davis.

10. Una película clásica latinoamericana

Palomita Blanca.

11. Una película actual latinoamericana

Tony Manero.

12. Una serie de Tv

Transparent.

13. Un libro y un escritor

Cualquiera de Virginia Woolf / Clarice Lispector. 

14. Un estilo musical y un grupo o cantante

El estilo musical está difícil, me gustan muchos dependiendo de para qué / The XX, Morrisey.

15. Un deporte, un deportista y un equipo

Patinaje en hielo / Serena Williams / La selección chilena de fútbol.

16. Una comida

Ceviche de atún del Amazonas.

17. Una ciudad y un país

Nueva York / El país no podría elegir... ¿Japón?.

18. Si pudieras viajar en el tiempo ¿a que época y a que lugar viajarías?

Al futuro.

19. Una virtud y un defecto de ti misma

Soy constante / Tengo mal carácter.

20. Un sueño por cumplir

Casarme con Cate Blanchet.


La fobia de Moliére y la novela negra en el Caribe Colombiano

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La literatura sólo empieza cuando nace en nuestro interior una tercera persona que nos desposee del poder de decir Yo (lo «neutro» de Blanchot). 


El escritor y cineasta Gonzalo Restrepo Sánchez presenta su libro “La fobia de Molière”. Una aproximación al cine negro y a la novela criminal, que puede servir para que, el texto literario —trasladado por el mismo autor a guion de cine—, pueda navegar por las traviesas aguas de un género que, según muchos autores y escritores de guiones: ya no se le considera menor.

El desarrollo de la novela policíaca y el thriller en América Latina, básicamente en los últimos años ha estado ligada a la "novela negra" como subgénero. Las circunstancias del continente resultan, en diversos aspectos, óptimas para retratar a una sociedad con altos grados de corrupción y libertinaje a través del lente de la novela negra y sus antihéroes.

El texto de Gonzalo Restrepo es la novela clásica del enigma. Una novela corta que solo el tiempo la llevará a ser la primera en este contexto en el Caribe colombiano. En la novela hay una búsqueda de la verdad a través del método racional, siendo el investigador el héroe moderno. Lo importante en esta novela urbana —se desarrolla en gran parte en la ciudad colombiana de Barranquilla— es resolver un crimen y cómo se logra. Y es que el crimen está rodeado de pistas que ayudan a la resolución. Thomas de Quincey en 1827 escribió un artículo muy famoso que hace referencia al respecto.

“La fobia de Molière” entonces es un agradable relato que tomando como base las observaciones de Todorov: “La novela de enigma está compuesta por dos historias. La del crimen y la de la investigación”, el escritor colombiano acierta en su propuesta. Por un lado el crimen de Carlos Junior Hernández (con una vida efímera ante la sordidez en la trama) y por otro, las pesquisas de su hermano Juan José Hernández.

El crimen que es un reflejo de la realidad social, si bien es la esencia del mito, el autor sitúa los vicios y ambiciones de una alta sociedad como la barranquillera (según el libro). Las chicas "prepago", la falta de diálogo en las familias y el desapego a las buenas costumbres, hace de este interesante texto, una narrativa realista con un punto de vista irónico y crítico con base en la estructura de la novela negra. Además el diálogo muestra la psicología de sus personajes y los fantasmas de algunos.

Si al introducir la historia a través una pelea callejera entre dos payasos en la ciudad Cartagena de Indias, y al final de la misma, pero en las calles de Madrid entre dos latinos por el mismo asunto, qué duda cabe que lo cíclico de la vida en Teresa Fuentes la llevará siempre a la cama con un desconocido, pero nunca vestido de color amarillo. 



La Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña presenta su sección oficial

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Ayer se presentó la sección oficial de largometraje de la 23ª Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya que tendrá lugar en Lleida del 27 de marzo al 2 de abril. 

Este año, en una estructura diferente a la habitual, la sección de ficción se verá del 30 al 2, mientras que del 27 al 29 se verán los documentales.

Nueve son las películas elegidas, de un total de 7 nacionalidades distintas. Entre los nombres más destacados encontramos la argentina Nieve negra, la boliviana Viejo Calavera, la colombiana La mujer del animal o la mexicana La región salvaje, de Amat Escalante.

Aquí van las 9 seleccionadas:

Nieve Negra (Argentina-España) de Martín Hodara (90’) – 2017


Acusado de haber matado a su hermano durante la adolescencia, Salvador (Ricardo Darín) vive aislado en el medio de la Patagonia. Tras varias décadas sin verse, su hermano Marcos (Leo Sbaraglia) y su cuñada Laura, llegan para convencerlo de vender las tierras que comparten por herencia. El cruce, en medio de un paraje solitario e inaccesible, reaviva el duelo dormido donde los roles de víctima y asesino se trastocan una y otra vez.

Viejo Calavera (Bolívia / Qatar) de Kiro Russo (77’) – 2016


Ahora que su padre ha muerto, nadie quiere hacerse cargo de Elder Mamani. Sólo queda la mina. Su padrino. La casa de su abuela allá en Chuachuani. La casa embrujada.

Santa y Andrés (Cuba / Francia / Colombia) de Carlos Lechuga (105’) – 2016


Cuba, 1983. Santa es una campesina de treinta años que trabaja en una granja estatal. Andrés es un escritor homosexual de cincuenta años que, según el gobierno, tiene "problemas ideológicos". Como es habitual con los desafectos a la revolución, cada vez que hay un evento político en la zona, alguien es enviado para echarle un ojo y evitar que cometa algún acto de oposición pública. Esta vez la tarea de vigilar le toca a Santa. Durante tres días consecutivos Santa se sienta en la entrada de la cabaña de Andrés para supervisar cada uno de sus movimientos.

Mañana a esta hora (Colombia / Canadá) de Lina Rodriguez (85’) de 2016


Un análisis íntimo de las relaciones de una familia bogotana, una historia de supervivencia, de la fragilidad del status quo y de la dificultad en la comunicación entre las personas más cercanas.

La región salvaje (México) de Amat Escalante (100’) – 2016


Alejandra es una joven madre y ama de casa que cría a sus hijos junto a su marido Ángel en una pequeña ciudad de México. Su hermano Fabián es enfermero en un hospital local. Sus vidas provincianas son alteradas con la llegada de la misteriosa Verónica. El sexo y el amor son frágiles en ciertas regiones donde existen los valores familiares y la hipocresía, la homofobia, y el machismo son fuertes. Verónica les convence de que en el bosque cercano, en una cabaña aislada, existe algo que no es de este mundo pero que es la respuesta a todos sus problemas. Es algo a cuya fuerza no se pueden resistir y con lo que deben hacer paz o sufrir su ira.


La mujer del animal (Colombia) de Victor Gaviria (120’) – 2015


Tras ser descubierta disfrazándose de Virgen, Amparo huye por miedo a su padre del internado de monjas donde la acogían. Llega a un barrio marginado de Medellín a vivir de "arrimada" donde su hermana. Cuando su cuñado la introduce a la familia, el primo Libardo queda infatuado con ella, la rapta en un rito matrimonial para luego obligarla a vivir bajo su mismo techo; la familia del Animal, testigo de su cautiverio. La comunidad, amedrentada por Libardo, no intercede en favor de Amparo quien es abandonada a la vigilancia permanente. Forzada a convertirse en la mujer del Animal, Amparo tiene sin poder evitarlo una niña. ¿Podrá, por medio del amor y la templanza, detener la repetición del ciclo del que también fue víctima su madre, sobrevivir y salvar a su hija?

El Rey del Once (Argentina) de Daniel Burman (80’) – 2015


Ariel cree haber dejado atrás su pasado, distanciado de su progenitor, tras construir una nueva y exitosa vida como economista en Nueva York. Llamado por su padre, cuya misión en la vida es dirigir una fundación judía de ayuda y beneficencia en el barrio del Once, vuelve a Buenos Aires. Allí conoce a Eva, una mujer muda e intrigante que trabaja en la fundación. Así Ariel regresa al Once, el barrio judío de su niñez. Un reencuentro con la tradición que dio origen al distanciamiento, y el enfrentarse a la paradoja de un hombre que ayuda a todo el mundo, pero es incapaz de hacerlo con su hijo Ariel.

Clever (Uruguay) de Federico Borgia y Guillermo Madeiro (83’) – 2015


Clever Pacini (Piccinini) es un padre divorciado, practicante de artes marciales y fanático del tuneo. En el pueblo de Las Palmas, conoce a Sebastián (Osta), dueño de un gimnasio de musculación, quien le decorará su Chevette para una competencia de tuning.

Aquí no ha pasado nada (Chile) de Alejandro Fernández Almendras (95’) – 2016


Vicente, que vive en Los Angeles, regresa a Chile a pasar el verano en la casa de playa de sus padres. Es un joven imprudente y algo solitario. Pero una de esas noches rutinarias de perseguir chicas y tomar copas su vida cambia para siempre; se convierte en el principal sospechoso de un atropello con huida que causa la muerte de un pescador local. "Yo no era quien conducía", dice, pero sus recuerdos son confusos. Sí recuerda estar en el coche, y que el conductor era el hijo de un poderoso político.


La crítica de Gonzalo: La mujer del animal

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"No hay animal que no tenga un reflejo de infinito; no hay pupila abyecta y vil que no toque relámpago de lo alto, a veces tierno y a veces feroz.
Victor Hugo, “La leyenda de los siglos”. 

Se estrena después de un largo proceso, “La mujer del animal”, del cineasta antioqueño Victor Gaviria. Más que hablar de este filme y su trama (deja exhausto hasta el menos desprevenido) por el contenido brutal y abyecto de la historia y sus personajes, remitiré al sentimiento que prioriza a lo largo de dos horas, no sin antes reconocer que es una obra, si no menor en la filmografía del autor, no culmina las ambiciones de las que le preceden y que lo hicieron famoso.

"La muerte vive una vida humana, dijo Hegel. Esto es cierto cuando no estamos enamorados o en análisis", dijo Julia Kristeva. Es que para hablar de la abyección y el amor, la filósofa sostiene que “una de las mayores infelicidades en la sociedad occidental —explica— es el individualismo, que nos hace negar el amor y la solidaridad. Nuestra sociedad carece, además, de código amoroso”.

Así que eso es esta aterradora historia. Una fábula sin códigos amorosos. Kristeva considera que “aquello que perturba una identidad, un sistema, un orden. Aquello que no respeta los límites, los lugares, las reglas. La complicidad, lo ambiguo, lo mixto. El traidor, el mentiroso, el criminal con la conciencia limpia, el violador desvergonzado, el asesino que pretende salvar ... Todo crimen, porque señala la fragilidad de la ley, es abyecto”, pero la transgresión planeada, la muerte socarrona, el desagravio hipócrita lo son aún más porque acrecientan esta “exhibición de la fragilidad legal”.

Y es que para para revelar una voluntad de autodestrucción, estos arquetipos —frustrados o perdedores— y aparte de contextos culturales; el cine colombiano parece haberse atiborrado de ellos para revelar una voluntad de autodestrucción. En el filme Satanás (André Baiz, 2007), las historias articuladas de tres personajes —una chica que ayuda a estafar a hombres ricos, un cura agobiado por su sexualidad y el caso del ex-soldado del Vietnam, Campo Elías Delgado, llamado Eliseo para el cine— están descritas con mano firme y una decidida apuesta por evitar odiar o adorar a los modelos actanciales, quienes desde el principio, el fatal latido de la desgracia se vislumbra.

Resulta un tanto difícil introducirse en cómo proceden las emociones en la disposición de lo abyecto en unión a la corporalidad. Sin embargo, desde el punto de vista del psicoanálisis esa configuración se advierte —entre muchos otros filmes— en El lugar sin límites (Arturo Ripstein, 1977) y Perfume de violetas, nadie te oye (Maryse Sistach, 2000). La experiencia emocional libidinal, la motricidad o la base fisiológica, no es la única causa que influye en nuestra percepción e imagen del cuerpo. Es a través de la relación con el otro y la emoción que éste expresa y suscita en mí.

La idea a concluir y a modo de contra ejemplo sería: Y es que si el individuo ha nacido para vivir en sociedad y afirmando que el principio de supervivencia personal y de la especie es propio del orden natural, necesariamente dos personas —hombre y mujer— deben relacionarse para poder sobrevivir. Es indudable que la parte más cercana de estas relaciones es la familia y luego el resto de la sociedad. «Una de las preguntas más esenciales a propósito del mundo social, es la de saber por qué y cómo ese mundo perdura, persevera en el ser, cómo se perpetua el orden social. Es decir, el conjunto de las relaciones de orden que la constituyen» (Bourdieu, 2006: 31). 

Estreno: Rara (2016) de Pepa San Martín

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Esta semana nos llega un nuevo estreno latinoamericano. La elegida ha sido Rara, película chilena dirigida por Pepa San Martín en la que es su opera prima y protagonizada por Julia Lübbert, Emilia Ossandóny Mariana Loyola. En España tuvo cierta repercusión el año pasado al ganar el premio a mejor película en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián.

Que te gusten los chicos, igual encontrar que son estúpidos, ser súper cercana con tu mejor amiga, y aun así no contarle tus secretos, tener problemas en el colegio y unos padres aburridos: este es el tipo de problemas que enfrenta una niña de 13 años. Para Sara eso no tiene nada que ver con el hecho de que su mamá viva con otra mujer. Pero su padre no piensa lo mismo...

El estreno, de la mano de la distribuidora Syldavia Cinema, ha sido de lo más limitado, pudiéndose ver el los Cines Verdi de Barcelona o el Renoir Cinemes Princesa de Madrid.

Los bloggers y el cine latino: HateLove

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Poco a poco vamos recuperando todas nuestras secciones clásicas, hoy es el turno de Los bloggers y el cine latino. Para esta edición hemos querido contar con un buen amigo, Alex, HateLove para el universo Blogger, creador del blog de terror El último blog a la izquierda, donde te puedes pasar horas leyendo sobre cine fantástico y de terror visto desde un punto de vista ligero y divertido a la par que didáctico y descubrir cientos de películas. Una gozada para los fans del cine de terror.

Como el dice, no es excesivamente seguidor del cine latino, pero nosotros buscábamos por esta vez, un punto de vista distinto, alguien que no opinara sobre el cine latino en general si no sobre el cine latino de género fantástico y terror en particular. Una nueva vuelta de tuerca a esta sección y quien mejor que Alex para opinar sobre ello.


¿Cuál es la primera película latinoamericana que recuerdas haber visto?

Decir con seguridad cual es la primera película latinoamericana de terror que vi me resulta algo complicado ya que con el paso del tiempo mi memoria y yo cada día nos llevamos peor, pero haciendo un esfuerzo en los recovecos de mi mente me encuentro con Cronos la opera prima Guillermo del Toro. Cierto es que debería de revisarla ya que la vi hace muuuuchos años, pero la recuerdo como una alternativa propuesta vampírica con un argumento bastante torpe y una gran actuación de Federico Luppi.

¿Cuáles son tus películas latinoamericanas favoritas de todos los tiempos?

Lamentablemente ninguna película latinoamericana ocupa un lugar privilegiado en mis tops cinematográficos personales ya que nunca me he topado con ninguna producción de género excelente proveniente de tierras latinas. Me es imposible decir mis películas preferidas ya que para mi están dividas en dos grupos pero sin ningún tipo de orden interno, las que son una bazofia y las que están bien pero no matan…

Del cine actual, ¿qué país latino crees que tiene las propuestas más interesantes?

En los últimos años el cine de terror se ha instalado con fuerza en los países latinos y empiezan a multiplicarse las producciones de género en países con poca tradición en este tipo de cine. Quizás todavía es todo demasiado “amateur” y no se invierten los suficientes recursos ni en la producción ni en la distribución de sus obras a la espera de que surja un gran pelotazo que sirva de impulso a la industria para apostar con más fuerza por el terror. Actualmente los países más prolíficos son México, Argentina y Chile, aunque como hemos comentado anteriormente empiezan a llegar películas de países con menos tradición como Perú, Venezuela o Bolivia.

¿Qué películas “desconocidas” del continente latinoamericano te gustaría dar a conocer a otros cinéfilos?

Partiendo de la base que el cine de terror que se produce en el continente latinoamericano es un gran desconocido para las masas diría que la ultima película que realmente me convenció fue la venezolana La Casa del Fin de los Tiempos, un film que a priori parece otra película mas de casas encantadas pero que acaba convirtiéndose en un complejo rompecabezas que se desarrolla en diferentes líneas temporales. Por países lo último que he visto es Tenemos la Carne (México), La Entidad (Perú), Downhill (Chile), Ataúd Blanco (Argentina), Dios Local (Uruguay), El Paramo (Colombia), Juan de los Muertos (Cuba) y Mangue Negro (Brasil), con opiniones muy dispares sobre ellas pero que animo a verlas para conocer un poquito más el cine de género que se hace en tierras latinas.

¿Tus director@s latinos favoritos?

Hay un nombre que acapara todos los focos y que se ha convertido en una de las grandes esperanzas del cine de terror, Fede Alvarez. El director y guionista uruguayo se dio a conocer con el potente remake de Evil Dead y al año pasado nos sorprendió a todos con la angustiosa No Respires, sin duda una de las mejores películas del 2016. Si hablamos de directores con más trayectoria y films a sus espaldas me quedo con Guillermo del Toro y Alejandro Jodorowsky.

¿Y actores y actrices?

Paso palabra jajaja Las actuaciones en el cine de terror latinoamericano suelen dejar bastante que desear y en su mayoría resultan excesivas, poco creíbles y con escasa capacidad para transmitir angustia u horror. Por suerte para poder contestar esta pregunta tengo a uno de los mejores actores argentinos que ha hecho sus pinitos en el cine de género, Federico Luppi.

¿Cuál crees que es el nivel actual del cine latinoamericano?

Vaya, tenía que haberme leído antes las preguntas!!! Esta te la conteste cuatro preguntas antes ;)

¿Crees que es valorado como se merece en la actualidad o que el público sigue teniendo prejuicios?

En el cine de terror cuesta mucho introducir un mercado que no sea el español o estadounidense en sus versiones “más comerciales” Partimos de la base que el cine de terror en nuestro país está rodeado de prejuicios y mucha gente lo veo algo para quinceañeros o freaks por lo que la dificultad para que una producción latina de este género llegue a nuestro mercado es máxima. Hace unos años en Francia proliferaron películas de terror extremo excelente que no tuvieron ningún tipo de repercusión en nuestro país, el cine de terror asiático tuvo su boom con The Ring y La Maldición pero fue algo efímero… el cine latino debe de tener paciencia y esperar su oportunidad, mientras tanto nos conformaremos con poder disfrutar de sus obras en los diferentes festivales especializados que se celebran a lo largo y ancho del país.

En una escala cinematográfica global, ¿cómo estaría situado en tu lista de preferencias e intereses el cine latinoamericano?

Pues estaría entre el cine andorrano y el de Papua Nueva Guinea jajaja. Dejando las bromas de lado, como habrás podido intuir a lo largo del cuestionario el cine latino actualmente no ocupa un lugar preferente para mí. Pero si distinguimos preferencia de interés sí que te puedo decir que cualquier película de terror de un país latino poco prolífico en el género siempre me genera un alto interés, quizás más por lo “exótico” de la propuesta que por la calidad final que me pueda ofrecer el producto. Yo considero que el cine es una manera de viajar y conocer mundo a través de una pantalla y es por ello que me interesan películas de todo tipo de países. En el caso del cine de género te ofrece una visión de cómo reacciona la gente ante situaciones de tensión y pánico extremo, te da a conocer diferentes elementos de los folklores nacionales y te muestra que aunque el miedo sea un sentimiento global no se reacciona igual a el en todos los países ni está provocado por los mismos elementos.

¿Has hablado de cine latino en tu blog?, ¿te gustaría acercarnos algún artículo o post que hayas hecho sobre él?

Nunca hemos hecho ningún especial a conciencia sobre cine latino, pero si que hemos comentado diversas películas tras su visionado. Antes mencionábamos La Casa del Fin de los Tiempos como la última película latina que consiguió sorprendernos y esto es lo que escribimos sobre ella. Hace unos meses entrevistamos al argentino Nicolás Onetti, productor de los giallo Sonno Profondo y Francesca, y además de hablar sobre su última producción nos analizaba la situación actual del cine de género en Argentina.

Conoce un poco más a...: Mariana Loyola

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Hoy en Conoce un poco más a… tenemos el placer de contar con una actriz que está de actualidad, la chilena Mariana Loyola, protagonista del reciente estreno Rara de Pepa San Martin, que llegó a las salas españolas el pasado viernes y que está teniendo críticas excelentes ya desde el pasado festival de San Sebastián donde ganó Horizontes Latinos.

Mariana ya cuenta con una larga e interesante trayectoria en el cine de su país y la hemos podido ver en películas como Cachimba (2004) de Silvio Caiozzi, La nana (2009) de Sebastián Silva o El baile de la Victoria (2009) de Fernando Trueba. También fue protagonista de la versión chilena de Aída, adaptación de la serie española de gran éxito. 

Agradecer enormemente a Mariana su colaboración y desearle que siga cosechando éxitos.


1. ¿Que te motivó a ser actriz? 

Mi mamá.

2. ¿De que película o personaje que has interpretado estas más orgullosa?

Uy, qué difícil.... de Hildita de "Cachimba", Paty de "Génesis Nirvana" y Paula de "Rara".

3. ¿Qué personaje sueñas con interpretar?

¡Muchos! Los personajes históricos siempre son un desafío.

4. ¿Con quién ardes en deseos de trabajar?

¿Arder? Con nadie. Me encantaría trabajar con Almodóvar y en general con cualquier director o directora que me proponga algo interesante y desafiante.

5. ¿Si no fuera actriz habría sido…?

Arqueóloga o historiadora.

6. ¿Cuál es tu película favorita?

Varias, y probablemente se me olvide alguna..... El Padrino I, La doble vida de Verónica, Relaciones Peligrosas...

7. Un director clásico y uno actual

Charles Chaplín / Martin Scorsese

8. Un actor clásico y uno actual

Marlon Brando / Leonardo Di Caprio.

9. Una actriz clásica y una actual

Vivian Leigh / Meryl Streep y Kate Winslet.

10. Una película clásica latinoamericana

Me encanta "La Frontera" de Ricardo Larraín.

11. Una película actual latinoamericana

Rara.

12. Una serie de Tv

Fargo II

13. Un libro y un escritor

Midlesex de Eugénides.

14. Un estilo musical y un grupo o cantante

Brit Pop / Radiohead.

15. Un deporte, un deportista y un equipo

Gimnasia Rítmica / todas las rusas / Barcelona.

16. Una comida 

Pescados y mariscos.

17. Una ciudad y un país

Río de Janeiro / Brasil.

18. Si pudieras viajar en el tiempo ¿a que época y que lugar viajarías?

Londres, 1960

19. Una virtud y un defecto de ti misma

Trabajadora / Obsesiva.

20. Un sueño por cumplir

Hacer una película en España. 


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